欢乐好声音

举重若轻的派别，应在影片多是荒诞剧或喜剧。练此类功法首先就得身强体健、心胸开阔。人不强碰不得重，心不开唱不出歌。显而易见，《欢乐好声音》是一群重剑手功成后拉出的小提琴合奏乐章——无锋平平的故事配上轻柔妥妥的声音。全曲赏完，不妨再和奏乐者小酌慢聊，比如从以下四点手谈片刻。

1、平直的设置+妥当的设计=鲜活的角色

动画人物最怕平，平淡、平凡、平庸都是最大忌。于是初心者往往喜欢对人物性格加力、对人物命运加码、对人物设定加酬。然而动画本身就是不同与现实的次元存在，其存在的根基就在于对认知的减法（所以才被叫做二次元）。所以正确、正当的做法应该是增强人物设置的鲜明度、减少现实角色的血肉感，得以凸显出一个健康、正常二次元人物的面貌。

没有足够的握力不要登拳击台，没有足够的理解力不要摸动画片。角色立住后，一切良好开始。

（影片为例，比如：树袋熊、变色龙、小老鼠均为主角缺从未换过衣服，在普通人类表演中会很怪异，而影片中恰好强调其各自处境；大象的体态与性格、猩猩的职业与追求、刺猬的遭遇和理想：通通貌似俗套而换了次元便分外恰当）

2、平衡的叙事+妥协的延展=饱满的故事

创作初期是个好点子的碓垒阶段，我今天想了两个亮点、你昨天提出三条建议、她明天输入一个观点。如同训练前的习惯性热身动作不一时长不均，但统统是对的。热身好后的练习，就开始系统、规模、规范化起来了——也就是所谓工业化起来了。于是从结构入手架构故事、从削减开始布置人物是必然而然。每个角色都那么可爱、那么有性格、那么出彩：但对不起，咱们这是场Party，主角是团队，团队优先。有了先后，有了目标。

热身往往自己就能搞定，训练则需要教练、陪练、队友。如果训练和比赛也都可以完全自己搞定，要么这个人是千年一遇的奇材，要么是这个项目本身只是个打响指难度的游戏。

（影片为例，比如：小老鼠的红跑车正式出现两次、顺带出现1次，鱿鱼表演正式出现2次、声音背景1次，日本组合总共面对面出场3次——由于每次的重复，增强了色彩概念；由于每次的不同，加强了故事推进）

3、平等的推进+妥让的次序=舒适的乐章

调性OK、团队OK，基础打牢，就可以平稳推进了。直拳手要稳，出拳回拳动作一致，这个说的是自己。故事角色每人时长基本相同，而老鼠、大象体态、性格均不同，于是观众印象中的长短均有别。挥拳时眼中是对手时，拳手算是出师门了；讲述时眼中是观众时，影人算是合格了。

所谓对观众的妥让倒不如说是对电影职业的理解与尊重，正如剧院经理对剧院本身投入感情付诸行动一样，时刻的行动是主体、美丽的初愿是小小的开头。将引子控制在引子阶段，动作行为渲染全乐章的指挥家才是高明的。好的教练就是个好的演奏家，分析自己和对手；好的导演也是好的演奏家，发力准确结合观众。

（影片为例，比如：大象的少女成长、刺猬的感情成长、猩猩的青年成长、老鼠的中年成长、猪猪的家庭成长——全部涵盖所有目标观众，时长平均、笔墨平均，但观众一定会从中找出各自的自己。）

4、平和的主题+妥帖的情绪=有温度的回味

音乐主题，大多平和；歌舞升平，通常安顺。什么调性配合什么温度，正如什么流派需穿什么道服。所谓创新、更新、革新指的是踏实站在过往基础之上的小小调整和修正——人从身到心千年本质并未改变，所以和人相关的技术、战术、艺术本质上的真理也就未曾改变。理解本质，努力贴近真理的活动，总是饱含着可以打动最多数人的温暖的。

（影片为例，比如：场地=剧院 事件=选秀 人物=秀的人员 无添加、不修饰，从最简单最基本的地点、故事、角色做起、做足、做好。选秀就是唱歌，那么不拖泥带水，到了就唱。然后，影片结束、全剧终）

武技通常十年不出门，出门不再惧敌。与所有格斗一样，电影对常人也是结果的艺术。极少数人能成为武者，极少数人能被称为影人。而其之所以的强和美，哪怕常常提起也仍会令凡人目眩。

克服高度晕眩，有望站在高处；克服别人的话，有望接近电影之美。对美的感受，对自我的追寻，我始终坚信是人人如一的。

由于如一，武道得以传承；由于坚信，电影得以进行。于是每一次平平的练习有了意义，每一次妥妥的演奏有了意思。