饥饿

评分：

6.0 还行

原名：Hunger又名：大绝食(港) / 饥饿宣言(台) / 绝食

分类：剧情 / 传记 / 地区：爱尔兰年份：2008

简介：北爱共和军领导人鲍比•桑兹（迈克尔•法斯宾德 Michael Fassbende

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更新时间:2017-01-02

饥饿影评：用电影发声

因一部《为奴十二载》关注到史蒂夫·麦奎因，之后看到导演的处女作《饥饿》，这位黑人导演在其电影语言上有自己的独特风格，于是找来了史蒂夫的全部作品，简单写了一些自己对于导演风格的认识，分享一下~

用电影发声
——浅谈史蒂夫•麦奎因导演的艺术风格
2014年一部讲述一位纽约自由黑人被诱拐变成黑奴，最终历经磨难重获自由的故事片，斩获了第71届金球奖的最佳剧情片和第86届奥斯卡金像奖中的三项大奖。拥有如此噱头的影片，自然吸引了不少观众的目光。而这部影片的导演，也因此广为人知。这位英国黑人导演，用其敏锐的观点，独特的视角，大胆的思维，丰富的镜头语言及特立的美学表现手法。吸引了越来越多电影爱好者的青睐，他就是史蒂夫•麦奎因。
史蒂夫•麦奎因，一位习惯了自由探索，在犯错过程中寻找自己的导演。2008年完成了自己的第一部剧情片《饥饿》，该片描绘了爱尔兰共和军成员鲍比•桑斯生命最后的篇章，并于同年获得了戛纳电影节的金摄影机奖；2011年，第二部代表作《羞耻》在第68届威尼斯电影节上首映，便斩获了多个奖项：2014年这部《为奴十二载》成就了现在的麦奎因。证明了他在电影探索上的正确性，使其成为了电影届最具潜力的优秀导演。通过麦奎因的三部代表作，不难看出其在电影叙事等方面上的艺术表现风格。导演在题材的选择，长镜头的运用及视听语言的表达等方面，都将其自身风格展现的淋漓尽致。
长镜头和台词的完美结合，将影片主旨进行明确传达。史蒂夫在这三部影片中，都运用了不少长镜头来表达影片的主题。这些长镜头不仅仅是为了增强影片叙事性，更是一种导演构思和风格的体现。因为长镜头在对于时空的记录上拥有其特殊性，一旦运用的不恰当，将带给观众强烈的乏味感和不适感。所以很多新人导演在初期，对于镜头的处理上都极少使用时间过长的长镜头。而麦奎因却反其道而行之，在其处女作《饥饿》中就运用了一个17分钟的固定长镜头。并因为这一长镜头而被很多电影人熟知。麦奎因准确的抓住了长镜头所能带给观众的美感，巧妙的将其运用，进而操纵着观众的情绪。长镜头所带给观众的是毋庸置疑的真实感，空间真，氛围真，过程真。其美感就在于光影的连续变化，并配合台词营造气氛和暗示。拿影片《饥饿》中的一个场景来举例，布兰登和玛丽安在约会之后，一起肩并肩走在路上那段。忽明忽暗的路灯成功地操纵了观众的情绪，通过台词和灯光的配合，像观众传达了两个人之间从疏远尴尬到相谈甚欢的情感变化历程。导演成功运用了长镜头的独特之处将观众带入影片主人公的情感走向中。这种类似长镜头的运用，在麦奎因的每部片子中都不难看到。《饥饿》中，那段众所周知的对话长镜头，同样配合台词，展现了影片“饥饿”的真实主题。在其著名影片《为奴十二载》中，长镜头则变成了推进影片节奏的工具，使影片后半段的整体氛围令人窒息。其中一处，所罗门被吊在树上那里，导演运用了一个三分钟的长镜头来展示当时的实况。除一位女奴为其送水外，其他人无动于衷。这将当时黑人被长期压抑所具有的奴性展现的异常明显。同样的，运用长镜头将悲伤压抑无助的情感向观众传递。这种情感和《饥饿》中哥哥对于妹妹的那种情感如出一辙。史蒂夫•麦奎因的导演风格也因此逐渐显露出来。这种直接通过台词和长镜头结合向观众传达影片主旨的导演风格，体现了麦奎因在拍摄作品时，不同于同时期导演的大胆尝试的自由精神。
对于长镜头和台词结合运用表达主旨的手法可以说是麦奎因在电影视听语言上的探索，那对于影片题材的选择和细节的刻画上，则可以说是麦奎因在自身电影风格化上的具体表现。
影片多关注于那些深陷绝境中的个体生命，擅用细节刻画人物性格和走向。作为一名新人导演，麦奎因在题材确立时，乐于选择其他导演很少触碰的重量级题材。这份勇气与魄力获得了不少观众的认可和敬佩。麦奎因三部电影的主人公，都是处在绝望边缘的人物。无论是《饥饿》中身陷监狱里的北爱革命者，《羞耻》中无法摆脱自身心理障碍的性瘾者，还是《为奴十二载》中手镣脚铐下的奴隶，他们都是在那情那景下最无助的人。他们都希望得到关注和理解，希望自己的困境可以解脱。麦奎因就是那个人，那个用自己敏锐的眼光扑捉到他们卑微灵魂的人。他不能做到真正的去救赎他们，但他愿意做那个捧起他们困兽般灵魂的使者。麦奎因在处理这种极端题材时，总是细心到对各个方面进行体察，进而将最真实的情感和细节加入到影片当中去。在他的电影中，观众往往可以看到两个处在对立端的人物。影片中既有绝食抗争的政治犯；荒淫无度的性瘾者；被剥削侮辱的黑人奴隶，也有被革命党吓破胆的狱警；让性瘾者手足无措的妹妹；各型各色的奴隶主们。这些都是导演风格的体现，导演试图将所有的细节都加入进去，尽量完整全面的像观众讲述故事，传达影片主人公的情感。举个例子来讲，在影片《羞耻》中，有一个片段讲述的是女主在唱歌，男主听到哭。这里有一个细节，导演运用的十分巧妙，就是男主落泪的那个时间点。男主落泪正好是妹妹和他唯一的一次对视之后。或许男主情感的变化和歌词有关，但导演选用这样微小的细节，展现了人物真实的情感，进而向观众暗示了男主自身情感上存在的真正问题。类似这样的细节刻画在其他两部影片中也得以运用。麦奎因的影片总是能让观众将整部电影看完后，回味时拥有奇妙的感受。原来一位用饥饿抵抗政府，虚弱将死的爱尔兰革命军，有着的其实是一颗在山野间奔跑的少年初心；一位整日纵欲过度的性瘾者，拥有着最最哀伤贞洁，深情的眼神；一位被剥削了自由身份失去一切的黑人奴隶，身上具有的是比任何一位奴隶主都高贵文明的气质。这些都是麦奎因想要通过自己的影片向观众表达的。他不放过每一个细节，也从不多赘述什么。他只希望内心真正想要关注的人，能通过细心观察自己的影片对问题进行探索。
关于影片在题材和细节的处理上，对于一些观众来说是隐晦的，或者说是不易察觉的。那麦奎因在视角效果上做出的突破，则是可以让每位观众都可以通过镜头真切感受到的，简单而直接的镜头传递，直戳人心。
用镜头表现出真实强烈的痛感，通过视觉传递给观众。麦奎因的每部作品似乎都带给观众强烈的震撼力。无论是在题材的选择，画面构图的展示还是镜头的表现力上，都给观众留下了深刻的印象。要说麦奎因三部影片带给观众最直观的共同点，那就是无休止的痛。《饥饿》里面，鲍比在绝食抗议的最后阶段，身体已经开始腐烂化脓，导演运用一个连续的剪辑，在鲍比身体和床单上的印记之间进行了多次相互转换，让观众真切的感受到鲍比此刻承受的痛苦，在那种绝境之中，鲍比只能用身体来反抗，那种无声的反抗，让观众觉得更压抑，也更有力量。同样的，在《为奴十二载》中，有一个所罗门抽打帕特茜的镜头，导演运用了特写镜头，对其身体上的鞭痕进行了刻画。让每一位观众都感受到强大的视觉冲击，忍不住去倒吸一口凉气。而后那个上药片段和《饥饿》里面完全相同，引发了观众的同情心。这些镜头正是影片魅力的一种体现。导演运用自己独特的视觉冲击手法，通过镜头的张力带给观众深深的刺痛感。导演运用电影镜头的特殊性，将影片的感染力进一步提升。这个可以从他的影片《羞耻》中得出结论，哥哥妹妹吵架那个片段，是影片的高潮部分。观众的情绪因为二人激烈的争吵被点燃，更引发观众对后面情节发展的关注，当观众看到的结果是满身是血躺倒在地的妹妹时。带给观众的不仅仅在是视觉上的冲撞，更是对观众内心的一种考验。可以说麦奎因是残忍的，他将观众最不想面对，一直在躲避的事实就那样摆在了观众的眼前，引发观众一阵一阵的惊叹。这就是影片感染力的体现。整部影片看下来，记住的不是那些充满色欲的画面，而是那些男主一张一张的脸。在那张面孔上痛苦悲伤愤怒和羞耻被无限的放大，直到电影的最后一分钟性瘾似乎依旧没有治愈。而其他两部影片，让观众记住的除了那一道道戳痛内心的伤口外，同样是主人公的脸。每张面孔上充满的都是无尽的渴望，无助和愤懑。麦奎因用一种更直观的方式，将疼痛进行传递，打破了时空上的隔阂，直直伸入观众内心深处，不免让每位观影者不寒而栗，感同身受。用其强烈的视觉震撼力，打破了观众与影片主人公之间的距离，带给观影者独特的视听感受。
史蒂夫•麦奎因，一位敢于用电影发声的导演，他能够做到的仅仅是用自己微弱的力量，代替那些无助的人们发出内心的呐喊。他用自己的镜头坚持讲述着那些一直被人们刻意逃避的真实故事。麦奎因用其独特的导演风格，在电影创作的路上坚持摸索前进，用踏实的脚步在电影上留下浓墨重彩的一笔。