6.9@NTHome.
这个剧本优秀到，哪怕纯读剧本或做成广播剧，都会无比精彩。但是整个production，从表演到配乐到灯光到design，也都是完美的呈现！灯光配乐和慢节奏，还使整体有了电影的质感。但是看到最后，还是会发现，只有live theatre是最合适的展现形态 —— 互动、凝视、思考，罗斯科希望他的画带给观众的，都通过剧院这个场景分毫不差地殊途同归了。
”One can’t be an artist until civilised.”所以艺术家一定是intentional的，本能不是艺术。esp抽象艺术，将一整块画布涂红，或许你我都能做到，但我们没有idea和intention，我们其实是做不到的。
对于艺术理论和艺术史，我的所知仅限于一些label式的名词，假装努力欣赏罗斯科，但依然我也逃不出成了以下“恶行”的帮凶(yet I admit unashamedly): “Still they buy it. It’s an investment. It’s screwing the neighbours. It’s buying class. It’s buying taste. It goes with the lamp. It’s cheaper than a Pollock. It’s interior decoration. It’s anything but what it is.”
商业与艺术，并非水火不容，尤其大众文化和波普艺术的产生与流行，其实都是在工业化现代化背景下，艺术寻求到的新的途径与生命力。电影同样，前段时间听了北大人文社科研究院的云端论坛，戴锦华老师主持的关于《燃烧》的解读，其中也有说类型片和文艺片逐渐迷糊的界限，是好莱坞类型片和欧洲文艺片各自自救的meet halfway。
但在自救的过程中，这些所谓“后浪”，带着新生的诉求和怒气，又消解了“艺术”(如达达主义甚至带来了“反艺术”)，正如他们的前浪当年还是后浪时似曾相识的样貌。而后浪成为前浪的这一天到来时，就像17岁的人忘了自己16岁时的样子，高傲、挣扎、遗忘，不胜唏嘘。
罗斯科厌恶他的作品被评价为“美”，厌恶一种仿佛“forced gaiety at gunpoint”，这让我想到《一个美国人在巴黎》里，Adam的台词“who says music needs to cheer people up?””my themes are decay and the inevitability of death.”= =
Alfred Molina表演真的入神，我只能借用一下《综艺》的评论:”Alfred Molina is majestic!”《科利奥兰纳斯》后接着又见到Alfred Enoch小哥，表演值得夸赞，美音也尚可，酒窝可爱，看到《HP》小孩班的成长总是无比开心的。两个演员，是无限的可能和张力。
发现Alfred M也演过《Long Day’s Journey into Night》的老James，非常非常非常合适！而Alfred E这个小助手的虚拟角色，首演是雀斑，并且成就了雀斑的托尼男配。
又同《科利奥兰纳斯》一样，首演是在多玛仓库剧院，此版放映是18年在温德海姆剧院的revival，前地是下定决心未来一定要补上的遗憾，后地是承载了历经一季终于爱上伦敦的明媚记忆标志，回不去的，感恩还能有这些侥幸，以梦为马。
最后一点loosely relevant的内容，因雀斑的首演又翻翻点点到了《丹麦女孩》，发现坎妹在还是小坎妹的时候，在瑞典演过《音乐之声》和《悲》呐～顺手记在这里啦～
正片
